Pour les amateurs d'art, le La Galerie des Offices est l'attraction numéro un de Florence. Les touristes plus occasionnels, qu'ils visitent la galerie de manière indépendante ou lors d'une visite guidée, voudront au moins voir ses points forts, y compris son œuvre la plus célèbre : la Naissance de Vénus de Botticelli. Essayez une visite culturelle de la ville avec votre voiture de location.
Outre sa taille, la chose la plus époustouflante à savoir avant de visiter la Galerie des Offices est peut-être qu'il s'agissait d'une collection privée d'une famille - et seulement une partie de celle-ci. D'autres œuvres d'art inestimables sont cachées dans leurs autres palais et villas.
Au-delà des collectionneurs, les Médicis étaient de grands mécènes de l'art, et sans leur mécénat, nombre de ces œuvres n'auraient peut-être jamais vu le jour. À un moment donné de votre visite, arrêtez-vous pour remercier brièvement la femme qui a assuré que cette grande collection - et les autres œuvres d'art des Médicis - resteraient ici à Florence.
Les collections ont été léguées à la ville par Anna Maria Ludovica von der Pfalz, la dernière héritière de la maison des Médicis, décédée en 1743. Et elle a stipulé qu'elles devaient rester à Florence.
La Galerie des Offices contient l'un des collections de peintures les plus importantes. Outre l'art florentin et italien, il comprend également un grand nombre d'œuvres étrangères et de sculptures classiques.
Son plus grand trésor est la collection unique de peinture florentine de la Renaissance, élément essentiel de la contribution de cette ville à l'art européen. Ces œuvres datant d'environ 1300 à 1500 ont ouvert la voie à tout l'art occidental qui a suivi.
Dans ce guide, vous trouverez les points forts des trésors des Offices, suivant le même ordre que ceux du musée. guide de visite. Les œuvres sont présentées dans l'ordre chronologique selon le moment où elles ont été peintes, en commençant par la salle 2 au deuxième étage des Offices.
Cependant, au-delà de la salle 13, la galerie octogonale de la Tribune, les œuvres ne sont plus dans l'ordre chronologique mais selon les écoles, les régions et les pays. Ils couvrent des œuvres d'environ 1500 à 1700.
Le projet"New Uffizi"est en cours, avec des œuvres d'art déplacées vers d'autres galeries, certaines galeries fermées pour rénovation, et de nouvelles sections s'ouvrent, donc pendant que le musée est en transition, certaines des peintures peuvent ne pas être dans l'ordre ou dans les galeries décrites ici. Assurez-vous d'obtenir une carte actuelle de la galerie au moment de votre visite. Mais la plupart des points forts des collections seront exposés, et pendant que vous visitez les galeries des Offices, vous pouvez utiliser ce guide pour suivre le développement des styles artistiques et de la finesse, des premières représentations bidimensionnelles, symétriques et stylisées aux plus réalistes. des portraits qui semblent prêts à sortir de la toile.
Vous remarquerez que les paramètres changent également, devenant plus naturels et pittoresques, ainsi que plus réalistes. Vous trouverez aux Offices plus qu'une simple attraction touristique et l'un des lieux importants à visiter à Florence, mais un parcours fascinant dans l'histoire de l'art. Vous devriez connaître 10 des meilleurs hôtels de Florence. La comparaison des hôtels montre que le confort n'est pas toujours lié au prix et qu'il y a suffisamment de chambres cosy dans les établissements moins chers.
1. La Madone intronisée de Cimabue et l'art toscan du XIIIe siècle
La salle 2 de la Galerie des Offices rassemble trois grandes madones d'environ 1300, illustrant les débuts de l'art toscan et l'un de ses premiers temps forts. Ces trois tableaux, vus ensemble, sont la meilleure introduction que vous pourriez demander, à la fois aux Offices et à l'art de la Renaissance.
La Madone intronisée de Cimabue (ca. 1275) est encore tout à fait dans la tradition byzantine de peindre la Vierge, qui ressemble à une statue, à l'écart de la réalité et entourée d'anges disposés symétriquement. L'Enfant Christ de Cimabue est habillé comme un général romain, et il n'y a aucun signe d'échange tendre entre la mère et le fils.
En revanche, La Madone intronisée de Duccio (1285) montre plus de mouvement, avec des couleurs douces et des lignes fluides, mais toujours éthérées et distantes.
La première apparition d'une vue humaine et réaliste se trouve dans la Vierge intronisée de Giotto (vers 1310). Le trône semble presque à portée de main, les personnages ont du poids et de la solidité, établissant un contact visuel entre eux et avec le spectateur.
Giotto a été le premier artiste à représenter la Vierge comme une femme avec une présence physique, et même ses personnages mineurs sont animés et ont des expressions faciales différentes. Il rompt avec les couleurs plus ternes de l'art byzantin, mais les arrière-plans restent l'or traditionnel.
La réalisation la plus importante et historique de Giotto, cependant, était sa composition. Il a été le premier peintre à créer un espace bien défini qui considère l'œil du spectateur, et sa composition pyramidale a créé un modèle qui durera des siècles.
Le style plus personnel et réaliste de Giotto devait conduire à une véritable Renaissance dans l'art. Dès lors, la peinture sera un art à part entière, éclipsant finalement la sculpture.
2. Annonciation par Simone Martini & Lippo Memmi (Art toscan du XIVe siècle)
Les galeries suivantes montrent comment d'autres peintres changeaient des anciennes normes. Bien que l'Annonciation (vers 1333) de l'artiste siennois Simone Martini et de son beau-frère Lippo Memmi, soit encore de style très gothique, il montre déjà la transition vers un Nouveau Réalisme.
Le cadre, avec ses tourelles et ses pignons, sonne à l'architecture gothique, mais le vêtement flottant de l'ange et la Vierge font preuve d'un grand raffinement et d'une grande élégance. Les mouvements ont de la tendresse et de la sensibilité, mais les images féminines délicates sont encore presque éthérées.
Parmi d'autres exemples siennois du XIVe siècle, citons la Madone en gloire (1340) de Pietro Lorenzetti, un disciple de Giotto, et des scènes de la vie de Saint-Nicolas par Ambrogio Lorenzetti, remarquable pour ses tentatives d'utilisation de la perspective.
Les plus éminents disciples florentins de Giotto présentés ici sont Bernardo Daddi (décédé en 1348) et Taddeo Gaddi (décédé en 1366), dont les retables utilisent des couleurs délicates et des lignes douces et gracieuses pour montrer les gens et les décors de manière plus réaliste.
3. L'Adoration des Mages de Gentile da Fabriano
Le gothique a continué à dominer l'art jusqu'au début du XVe siècle, mais bien que l'Adoration des mages de Gentile da Fabriano (1423) véhicule toujours l'idéal de beauté gothique, son souci du détail marque la transition précoce du gothique. à la Renaissance.
Vous pouvez également voir en arrière-plan, sous les arcs du cadre orné du retable, le début d'une tentative de montrer la perspective alors que la procession se réduit et disparaît presque à l'horizon. Ceci est considéré comme son chef-d'œuvre et l'incarnation de la peinture gothique internationale.
Le contemporain de Fabriano, Masaccio, a encore révolutionné l'art de la perspective dans ses efforts pour créer trois dimensions sur une surface bidimensionnelle. La Vierge à l'Enfant de Masaccio avec sainte Anne (vers 1420), peinte avec Masolino, est l'une de ses premières œuvres.
Il se classe avec Brunelleschi et Donatello parmi les fondateurs de la Renaissance, une nouvelle expérience artistique dans la réalité, basée sur l'observation et l'enregistrement précis de la nature. Vous pouvez le voir dans la modélisation en relief et la beauté naturelle réaliste des visages et des personnages du retable de Masaccio.
Recherchez aussi le Couronnement de la Vierge de Fra Angelico, le moine dominicain qui était un contemporain de Masaccio, et dont la conception religieuse mystique de l'art l'emmène dans la direction opposée. Mais il innovait par d'autres moyens. Alors qu'il utilise toujours des arrière-plans dorés et des figures drapées éthérées, les couleurs riches et l'arrangement circulaire des figures de Fra Angelico créent une perspective picturale unificatrice.
4. La Vierge à l'Enfant de Domenico Veneziano
Abandonnant la convention précédente d'un fond d'or pour un retable, dans cette œuvre de 1445, Veneziano porte la perspective vers de nouveaux sommets en plaçant harmonieusement les saints en demi-cercle, et renforce l'effet de profondeur par les motifs géométriques du marbre incrusté.
Sa principale innovation, cependant, est venue comme un maître de la lumière et de l'ombre réalistes. Ses fines nuances et ses délicates nuances de couleur étaient bien en avance sur les aplats de couleur forte utilisés par ses contemporains florentins. L'utilisation de la lumière et des couleurs par Veneziano a influencé le travail de Piero della Francesco, qui a souvent collaboré avec lui.
5. Portraits du duc et de la duchesse d'Urbino par Piero della Francesca
La peinture de portrait était un autre centre d'intérêt pour l'art du début de la Renaissance - et celui qui rendait les clients heureux. Les portraits du duc et de la duchesse d'Urbino par Piero della Francesca vers 1465 en sont un bon exemple.
Mais Piero della Francesca n'a pas flatté ses modèles, montrant le nez aquilin du duc, rides, lèvres fines et corpulence trapue. Remarquez l'arrière-plan, un rare exemple de paysage du début de la Renaissance.
Plus proche d'un portrait que d'art religieux, La Vierge à l'Enfant de Filippo Lippi (vers 1460), une jeune Marie élégamment vêtue avec deux anges souriants, une scène montrant l'affection et le contact visuel entre la mère et l'enfant qui reflète des interprétations sécularisées croissantes de thèmes religieux.
La salle 9 présente d'immenses panneaux des Sept Vertus, de Piero del Pollaiolo. En fait, Piero n'en a peint que six, la septième est l'une des premières œuvres de Botticelli.
6. La naissance de Vénus de Botticelli
Qui vous emmène dans l'âge d'or de Florence et à l'une de ses étoiles les plus brillantes, Botticelli. Parallèlement à leur propre agrandissement, les patriciens florentins s'intéressaient intensément à la littérature et à la philosophie classiques, et aux œuvres les plus célèbres de Botticelli, Naissance de Vénus et Primavera, tous deux commandés par un Médicis, reflètent cela.
Dans la Naissance de Vénus (1482/1483), Botticelli combine la pensée classique et chrétienne en termes d'idées de la Renaissance, comme une renaissance de l'esprit du classique mythologie et théologie chrétienne. Il peint un nu féminin modelé sur une statue classique de la déesse de l'amour Vénus, et implique un baptême chrétien (comme le Christ est baptisé dans le Jourdain).
Comparez cette pensée florentine avec celle du peintre flamand Rogier van der Weyden Mise au tombeau (vers 1450) et le Retable Portinari d'Hugo van der Goes, tous deux dans la même pièce, pour apprécier à quel point ces idées florentines différaient de celles de l'Europe du Nord. Là, un nu serait impensable et les personnages sont dissimulés dans des draperies.
Botticelli a peint le retable Adoration des Mages vers 1475, alors qu'il avait environ 30 ans, et la commande comprenait la représentation de membres de la famille Médicis et de leurs associés parmi les spectateurs.
Il a organisé le groupe dans une pyramide avec la sainte famille à son apogée, en dessous d'eux les trois rois - les trois Médicis les plus haut gradés - et en dessous d'eux par ordre de rang plus de Médicis et leurs amis. Le thème proprement dit semble s'effacer, servant davantage de prétexte à une magnifique représentation des Médicis et de leurs partisans.
7. L'Annonciation de Léonard de Vinci
Léonard de Vinci a vécu à une époque de découverte scientifique qui a remis en question les récits bibliques en tant que seul modèle pour expliquer l'univers. L'un des principaux traits de son travail, qu'il s'agisse de peinture ou de sculpture, intégrait la nature dans son travail d'une manière qui rendait les thèmes religieux mystiques plus crédibles dans un monde qui prenait rapidement conscience de la science. Dans cette première œuvre, il montre les ailes de l'ange comme des ailes d'oiseau réalistes recouvertes de plumes.
Léonard capture également avec sensibilité l'atmosphère de son temps dans l'Adoration des mages (1481). Au centre de ce tableau inachevé, la Vierge et l'enfant apparaissent comme une influence stabilisatrice, encerclés par une masse de gens qui saluent la naissance avec émerveillement et étonnement ou avec doute et peur. Au lieu d'un conte populaire, la Nativité acquiert une nouvelle dimension de rédemption du monde.
La salle 16 est la dernière de la première partie de la visite des Offices, consacrée à l'art florentin et toscan de 1300 à 1500, principalement dans l'ordre chronologique. L'art de la fin de la Renaissance italienne suit dans la salle 25, classée selon les écoles de peinture.
Notez que plusieurs de ces galeries sont actuellement fermées pour rénovation, et toutes les œuvres peuvent ne pas être exposées, ou peuvent ont été déplacés vers d'autres galeries. Il est important d'obtenir une carte actuelle de la galerie au moment de votre visite.
8. La Tribuna
Dans la au centre de la magnifique Tribuna octogonale, une œuvre d'art en soi, se trouve la Vénus Médicis, la sculpture en marbre classique la plus célèbre de Florence et considérée comme une version grecque tardive de l'Aphrodite de Cnide par Praxitèle.
Sur les murs se trouvent des portraits maniéristes de la famille Médicis du milieu des années 1500, les plus remarquables de Pontormo, Bronzino et Vasari. Pietro Perugino, élève de Verrocchio et professeur de Raphaël, est représenté par Vierge aux saints et divers portraits qui montrent son réalisme tridimensionnel et sa couleur tamisée qui ont ouvert la voie à l'art classique de la Haute Renaissance.
De même, la turbulence et la couleur du style deLuca Signorelli, comme vous le verrez, sa Sainte Famille ( vers 1495) et Vierge à l'Enfant, en revanche, montrent beaucoup plus de turbulence et de mouvement, une influence sur le jeune Michel-Ange.
9. L'Adoration des Mages d'Albrecht Dürer
En même temps que les peintres florentins et italiens changeaient le monde de l'art, les artistes allemands entraient dans leur propre Renaissance, comme vous le verrez dans les chefs-d'œuvre d'Albrecht Dürer.
Dans L'Adoration des Mages (1504), Dürer montre sa compréhension à la fois de la perspective et du jeu de la lumière dans le drapé des vêtements. Il utilise des couleurs vives de premier plan pour renforcer l'illusion de perspective. Comme d'autres artistes allemands et nord-européens, il inclut une richesse de détails et s'efforce d'un réalisme méticuleux.
L'artiste de Nuremberg est également représenté par sa Vierge à l'Enfant (1526) et par l'une de ses premières œuvres encore existantes, Portrait du Père (1490).
Les œuvres de l'artiste allemand Lucas Cranach incluent son portrait de Martin Luther et sa femme Katharina, un autoportrait, un impressionnant Melanchthon, et un Adam et Eve plutôt érotique.
Peinture vénitienne, caractérisée par des couleurs douces et lumière équilibrée, est représentée par Allégorie religieuse de Giovanni Bellini (vers 1485) et Portrait d'un cavalier maltais de Giorgione.
Représentant également l'art de la Haute Renaissance dans le nord de l'Italie, les œuvres religieuses d'Antonio Allegri, mieux connu sous le nom deCorreggio, dont les compositions en diagonale, les effets de lumière et les profondeurs de perspective inhabituelles ont eu une influence durable sur la peinture baroque ultérieure..
10. La Sainte Famille de Michel-Ange et la Haute Renaissance
La Sainte Famille de Michel-Ange (1504/1505), connue sous le nom de Doni Tondo, est dépourvue de tout sentiment religieux, la famille apparaissant comme taillée dans un bloc et montrant l'image de Michel-Ange solide expérience en sculpture.
Dans cette peinture, vous verrez des indices de son chef-d'œuvre sur le plafond de la Chapelle Sixtine dans la profusion de figures nues et les couleurs vives et irisées. L'année de la mort de Raphaël (1520) a marqué le début du maniérisme, la phase tardive de la Renaissance qui a duré jusqu'en 1600 environ.
Son départ des styles classiques comprenait des formes et des couleurs non naturelles, illustré par la composition presque bidimensionnelle du Moïse défendant les filles de Jethro de Rosso Fiorentino (1523), dont les personnages semblent irréels, presque comme des poupées articulées.
Trois œuvres importantes de Raphaëlde cette même période comprennent un autoportrait (vers 1506), sa charmante Vierge Marie avec le Chardonneret et le Pape Léon X avec les Cardinaux Giulio de ' Médicis et Luigi de'Rossi. Raphaël dépeint le pape comme un individu et un intellectuel, pas simplement comme un leader puissant.
La Madone aux harpies d'Andrea del Sarto, un retable monumental typique de l'art florentin L'art de la Haute Renaissance combine la technique douce de Raphaël avec la monumentalité de Michel-Ange et les qualités atmosphériques de Léonard de Vinci.
Le maniérisme était la transition du XVIe siècle entre la Renaissance et le baroque, turbulent et plein de mouvement, déformant la réalité et interprétant mystiquement la piété. Dans Le Souper à Emmaüs de Jacopo da Pontormo (vers 1525), vous verrez l'influence de ses professeurs Léonard de Vinci et Andrea del Sarto fusionnée avec l'inspiration de l'œuvre tardive de Raphaël et de l'art monumental de Michel-Ange.
Les œuvres du grand peintre vénitien Titien incluent Vénus d'Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Vénus et Cupidon (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco Maria, duc d'Urbino, et La Flora, l'un de ses plus beaux portraits de femmes.
Vénus d'Urbino est particulièrement intéressante pour la façon dont Titien utilise les nuances de rouge pour rapprocher les différentes parties de l'image en diagonale. Girolamo Francesco Maria Mazzola, connu sous le nom de Parmigianino, a été influencé tour à tour par le Corrège, la Haute Renaissance romaine, et le Maniérisme. La Madone au long cou, peinte entre 1534 et 1540, est un bon exemple de distorsion maniériste, avec ses figures allongées et sa lumière étrange.
11. La Sainte Famille de Véronèse avec Sainte Barbe
Si vos yeux ne sont pas encore vitreux, regardez dans les galeries restantes, qui contiennent une variété de chefs-d'œuvre, notamment plusieurs d'artistes vénitiens. La Sainte Famille de Paolo Veronese avec sainte Barbara reflète l'opulence de Venise dans ses tons dorés et la riche tenue vestimentaire de la sainte. Les figures réalistes et les visages expressifs sont typiques des peintres vénitiens.
Dans cette galerie se trouvent également l'Annonciation et le Martyre de Sainte Justine de Véronèse et le Portrait d'un homme du Tintoret. Dans la salle voisine se trouvent plusieurs autres du Tintoret. Cherchez aussi Tête d'adolescent de Lorenzo Lotto (1505).
Dans les galeries successives se trouvent des œuvres de Van Dyck et certaines des plus belles œuvres de Rubens - Henri IV à Ivry et Henri IV entrant à Paris, Isabelle Brandt et Entrée de Ferdinand d'Autriche à Anvers. Dans la salle Niobe, cherchez la plus belle sculpture classique de Florence après la Vénus Médicis, le vase Médicis du IIe siècle avant JC.
12. Portraits de Rembrandt
Tout au long de sa carrière, qui coïncide avec l'âge d'or de la peinture hollandaise, Rembrandt peint une série d'autoportraits, dont deux sont exposés aux Offices. Alors qu'il enregistre les changements en lui-même, de la jeunesse confiante au peintre vieillissant, il enregistre également son parcours en tant qu'artiste. Montré avec ceux-ci est son Portrait d'un vieil homme, peint à peu près au même moment que son autoportrait ultérieur.
Regardez ici, également, pour les œuvres de Caravaggio, y compris son Jeune Bacchus, Méduse et Le Sacrifice d'Isaac. Le réalisme saisissant de ces deux dernières œuvres est intensifié par le brillant sens dramatique du Caravage dans l'utilisation de la lumière et de l'ombre.
Conseils et visites : comment tirer le meilleur parti de votre visite à la Galerie des Offices
- Visites de la Galerie des Offices : Visiteurs en benne the Line: Florence Uffizi Gallery Tour peut contourner les longues files d'attente pour voir tous les points forts et en apprendre davantage sur les artistes et leurs œuvres avec un guide expert en art. La visite à pied d'une heure et demie est disponible l'après-midi toute l'année, le matin et le soir en été. Le billet vous permet de rester après la visite pour explorer à loisir. Billets coupe-file : les billets pour la Galerie des Offices de Florence vous permettent d'éviter les files d'attente et d'explorer la galerie à votre propre rythme sans guide. Une autre option consiste à combiner la Galerie des Offices avec l'autre grande galerie d'art lors d'un billet coupe-file : Visite de l'Académie de Florence et de la Galerie des Offices, en passant 1,5 heure dans chaque musée avec un guide expert en art. Une visite à pied a lieu le matin, l'autre l'après-midi, en contournant à chaque fois les files d'attente.
- Visiter la Galerie des Offices par vous-même : Bien que vous puissiez vous attendre à des files d'attente pour l'admission être très long du printemps à l'automne, les plus longs sont les week-ends, les mardis et le matin. Si vous n'avez pas réservé de billets à l'avance, vous pouvez parfois les acheter à la billetterie du musée à l'église d'Orsanmichele, mais elle est fermée le dimanche et il n'y a pas de billets le jour même le week-end ou les jours fériés. Ils n'en ont peut-être pas de disponible, mais ça vaut le coup d'essayer. Des visites audio sont disponibles, mais le petit guide vendu à l'entrée est plus détaillé.
Foire aux questions
Quelle est la meilleure période pour visiter la Galerie des Offices ?
De début novembre à fin février, c'est la"basse saison"traditionnelle du tourisme à Florence, il est donc plus facile d'obtenir des billets à court préavis et les musées sont moins fréquentés. Mieux encore, le prix d'entrée pour les Offices passe du tarif haute saison '20 à 12' par personne au cours de ces mois. Chaque fois que vous y allez, mais surtout de mai à octobre, réservez vos billets à l'avance pour être sûr d'être admis.
Puis-je obtenir des billets de dernière minute ?
Sauf les week-ends et les jours fériés, vous pouvez faire la queue en attendant une place. Si vous faites la queue avant 7h45, une demi-heure avant l'ouverture du musée le matin, il y a une chance de trouver un créneau horaire disponible avec des billets disponibles ce jour-là. Mais même cela ne fonctionnera probablement pas en juillet ou en août. De plus, vous pouvez parfois acheter des billets pour les Offices le jour même à la billetterie du musée à l'église d'Orsanmichele.
Les Offices sont-ils climatisés ?
Malheureusement, non. C'est une autre raison pour ne pas visiter Florence en juillet ou en août (bien que juin puisse être tout aussi chaud).
Puis-je vérifier mon sac à dos ou mon manteau ?
Oui, la Galerie des Offices a un accès gratuit vestiaire. Vous devrez vérifier tous les packs ou colis.
Puis-je prendre des photos ?
Oui, vous pouvez photographier pour un usage personnel tant que vous n'utilisez pas de flash, de un trépied ou une perche à selfie.
Puis-je manger ou boire quelque chose sans sortir du musée ?
Oui, les Offices ont une petite cafétéria où vous pouvez acheter des sandwichs. Vous pouvez également prendre un café (si vous le buvez debout, il coûte le tiers du prix d'une consommation à table).
Adresse
- Piazzale degli Uffizi 6 (près de Piazza Signoria), Florence
- Site officiel : https://www.uffizi.it/fr
