En rundtur genom Louvrens omfattande gallerier ger en snabbkurs i västerländsk civilisations finaste konst. Några av världens mest kända mästerverk visas här, inklusive Mona Lisa av Leonardo da Vinci och Vénus de Milo.
Ett stort antal av museets målningar ägdes av de olika kungar som bodde i Louvren när det var ett kungligt residens; andra pjäser förvärvades genom Frankrikes fördrag med Vatikanen och den venetianska republiken. Samlingen berikades ytterligare av Napoléon I:s byte.
Världens största museum, Musée du Louvren, packar tusentals konstverk i ett 73 000 kvadratmeter stort utställningsutrymme i tre sektioner: Denon-, Richelieu- och Sully-flyglarna, i en magnifik byggnad som en gång var de franska kungarnas palats.
Varje flygel har mer än 70 rum som visar målningar och konstföremål, plus det finns enorma salar fyllda med skulpturer. Det är omöjligt att se hela samlingen på en dag eller ens på en vecka.
Att besöka Louvren är en av de viktigaste sakerna att göra i Paris. De flesta turister behöver dock lite vägledning för att verkligen uppskatta konsten och dess rika kulturarv. Denna checklista med 15 Louvrens "höjdpunkter" inkluderar historiska sammanhang och djupgående insikter om varje verk för att förbättra din upplevelse. Du kan ta dig hit genom att hyra en bil.
Se även: Var du ska bo nära Louvren i Paris
1. Mona Lisa av Leonardo da Vinci (Denon Wing, rum 711)
Forskare diskuterar vad som gör Mona Lisa till en av de mest kända målningarna i världen. En förklaring är känslan av mystik.
Även om personens identitet är oklar, tros kvinnan som porträtteras vara Lisa Gherardini, fru till Francesco del Giocondo (en sidenhandlare i Florens, Italien). Av denna anledning är målningens italienska namn La Gioconda, vilket översätts till La Joconde på franska.
En annan förklaring till målningens kändisskap är motivets gåtfullt leende, som möjligen symboliserar lyckans ideal. Hennes fängslande uttryck och blick åt sidan har ett sätt att förtrolla tittarna. Observatörer lägger märke till hur Mona Lisa ser ut att titta på dem var de än står i rummet.
Många besökare kommer till Louvren bara för att se den här målningen, definitivt museets mest berömt konstverk. Skapad av Leonardo da Vinci omkring 1503, är den lilla målningen i Salle des États (rum 711) täckt med ett extra lager plexiglas och är vanligtvis omgiven av en mängd turister som försöker få en glimt av den.
För att få en bättre uppskattning av den här målningen är det en bra idé att ta en rundvandring i en liten grupp av Louvren ledd av en kunnig guide. Denna tre timmar långa rundtur låter deltagarna hoppa över museets långa ingångsköer och bege sig direkt till verken som måste ses, och få ut det mesta av tiden som spenderas på museet.
2. Les Noces de Cana av Véronèse (Denon Wing, rum 711)
Paolo Caliari (känd som Véronèse) skapade Les Noces de Cana 1563, beställd av Benediktinerklostret San Giorgio Maggiore i Venedig.
Louvvrens största målning, denna enorma sex meter höga och 10 meter breda duk täcker en hel vägg i Louvren från golv till tak. Ursprungligen var det tänkt att dekorera det venetianska klostrets matsal.
Les Noces de Cana (Bröllopsfesten i Cana) är en mästerlig komposition som skildrar den bibliska bröllopsscenen i Kana i Galileen, händelsen enligt aposteln Johannes när Kristus utför miraklet att förvandla vatten till vin.
Den anmärkningsvärda sammansättningen av mer än 100 figurer lyckas på något sätt se harmonisk ut snarare än trångt. Bruden och brudgummen sitter vid slutet av bankettbordet på vänster sida. Kristus står i centrum omgiven av sina lärjungar. Samtida venetianer blandar sig med bibliska personer i orientaliska turbaner.
Konstnärens häpnadsväckande uppmärksamhet på detaljer syns i de realistiska detaljerna, som draperingen av de fantastiska venetianska kostymerna. Den actionfyllda scenen är full av överraskningar: en dvärg som håller i en parakit (nedre vänstra sidan), små fåglar, vänliga hundar och en underhållande katt (nedre högra sidan) som verkar vara en objuden gäst när den kliar klorna på en vattenkanna.
3. Vénus de Milo (Sully Wing, rum 345)
Vénus de Milo står i Louvrens Galerie des Antiques, i Salle de la Vénus de Milo (rum 345), ett överdådigt galleri från 1800-talet som är klätt i röd marmor.
Denna lockande staty, även känd som Aphrodite, representerar det grekiska idealet av skönhet. Gudinnastatyn skapades omkring 100 f.Kr., och speglar stiliseringen av den sena hellenistiska perioden.
Verket har fascinerat konstvärlden ända sedan det upptäcktes på Greklands ö Milos ("Melos" på antik grekiska) i 1820 och presenterades för Ludvig XVIII.
Det som gör denna staty till ett mästerverk är den balanserade kompositionen, känslan av rymd och hur draperiet faller över gudinnans höfter. Tyvärr gör de saknade marmorbitarna det svårt att helt identifiera och förstå statyn.
Konsthistoriker har försökt föreställa sig hur hennes armar var placerade och var hon kunde ha stått. Vissa tror att hon kan ha hållit ett äpple, en krona eller en sköld. En annan hypotes är att Venus höll en spegel i ena handen för att beundra hennes reflektion.
4. Victoire de Samothrace (Denon Wing, rum 703)
Ett mästerverk av hellenistisk konst, denna monumentala klassiska skulptur är hisnande att se. Presenterad i sitt eget utrymme på toppen av den storslagna Daru-trappan, har Victoire de Samothrace (Winged Victory) ett sätt att fängsla besökare när de vänder om hörnet och får en skymt av statyn.
Sittad i en modig ställning på fören på ett skepp, leder den bevingade segergudinnan (Nike) ett fartyg som seglar genom berusande vindbyar. Skapat omkring 190 f.Kr., den bevingade segergudinnan hittades på ön Samothrace och tros vara ett religiöst erbjudande av Rhodos folk till åminnelse av en sjöseger.
Gudinnans gestalt är porträtteras så noggrant att man knappt kan tro att det skapades 2 000 år innan fotografering och 3D-grafisk modellering. Den spiralformade kompositionen skapar effekten av kraftfulla rörelser, med vingarna hållna tillbaka och det högra benet placerat framför det vänstra.
Tack vare de subtilt återgivna skulpturala detaljerna verkar gudinnan vara dränkt i vatten. Hennes kläder får den realistiska effekten av ett lätt tyg som klamrar sig fast vid hennes höfter och ben och avslöjar formen på den nakna kvinnokroppen. Samtidigt får en bris gudinnans draperade tunika att bölja, vilket ger en fantastisk känsla av realism.
5. Le Sacre de l'Empereur NapoléonIer av Jacques-Louis David (Denon Wing, rum 702)
Napoléon I gav Jacques-Louis David i uppdrag att skapa denna majestätiska målning som ett dokument av hans kröningsceremoni. Napoléon utropade sig själv till kejsare i maj 1804 efter en statskupp efter hans segerrika militära kampanjer i Italien och Egypten.
Kröningsceremonin genomfördes enligt protokollet att kröna en kung i den franska monarkiska traditionen. Men Napoléon krönte sig själv när han stod inför församlingen istället för att krönas av påven, för att göra ett uttalande om sitt oberoende från kyrkan.
Den anmärkningsvärda sammansättningen av mer än 100 figurer lyckas på något sätt se harmonisk ut snarare än trångt. Bruden och brudgummen sitter vid slutet av bankettbordet på vänster sida. Kristus står i centrum omgiven av sina lärjungar. Samtida venetianer blandar sig med bibliska personer i orientaliska turbaner.
Konstnärens häpnadsväckande uppmärksamhet på detaljer syns i de realistiska detaljerna, som draperingen av de fantastiska venetianska kostymerna. Den actionfyllda scenen är full av överraskningar: en dvärg som håller i en parakit (nedre vänstra sidan), små fåglar, vänliga hundar och en underhållande katt (nedre högra sidan) som verkar vara en objuden gäst när den kliar klorna på en vattenkanna.
3. Vénus de Milo (Sully Wing, rum 345)
Vénus de Milo står i Louvrens Galerie des Antiques, i Salle de la Vénus de Milo (rum 345), ett överdådigt galleri från 1800-talet som är klätt i röd marmor.
Denna lockande staty, även känd som Aphrodite, representerar det grekiska idealet av skönhet. Gudinnastatyn skapades omkring 100 f.Kr., och speglar stiliseringen av den sena hellenistiska perioden.
Verket har fascinerat konstvärlden ända sedan det upptäcktes på Greklands ö Milos ("Melos" på antik grekiska) i 1820 och presenterades för Ludvig XVIII.
Det som gör denna staty till ett mästerverk är den balanserade kompositionen, känslan av rymd och hur draperiet faller över gudinnans höfter. Tyvärr gör de saknade marmorbitarna det svårt att helt identifiera och förstå statyn.
Konsthistoriker har försökt föreställa sig hur hennes armar var placerade och var hon kunde ha stått. Vissa tror att hon kan ha hållit ett äpple, en krona eller en sköld. En annan hypotes är att Venus höll en spegel i ena handen för att beundra hennes reflektion.
4. Victoire de Samothrace (Denon Wing, rum 703)
Ett mästerverk av hellenistisk konst, denna monumentala klassiska skulptur är hisnande att se. Presenterad i sitt eget utrymme på toppen av den storslagna Daru-trappan, har Victoire de Samothrace (Winged Victory) ett sätt att fängsla besökare när de vänder om hörnet och får en skymt av statyn.
Sittad i en modig ställning på fören på ett skepp, leder den bevingade segergudinnan (Nike) ett fartyg som seglar genom berusande vindbyar. Skapat omkring 190 f.Kr., den bevingade segergudinnan hittades på ön Samothrace och tros vara ett religiöst erbjudande av Rhodos folk till åminnelse av en sjöseger.
Gudinnans gestalt är porträtteras så noggrant att man knappt kan tro att det skapades 2 000 år innan fotografering och 3D-grafisk modellering. Den spiralformade kompositionen skapar effekten av kraftfulla rörelser, med vingarna hållna tillbaka och det högra benet placerat framför det vänstra.
Tack vare de subtilt återgivna skulpturala detaljerna verkar gudinnan vara dränkt i vatten. Hennes kläder får den realistiska effekten av ett lätt tyg som klamrar sig fast vid hennes höfter och ben och avslöjar formen på den nakna kvinnokroppen. Samtidigt får en bris gudinnans draperade tunika att bölja, vilket ger en fantastisk känsla av realism.
5. Le Sacre de l'Empereur NapoléonIer av Jacques-Louis David (Denon Wing, rum 702)
Napoléon I gav Jacques-Louis David i uppdrag att skapa denna majestätiska målning som ett dokument av hans kröningsceremoni. Napoléon utropade sig själv till kejsare i maj 1804 efter en statskupp efter hans segerrika militära kampanjer i Italien och Egypten.
Kröningsceremonin genomfördes enligt protokollet att kröna en kung i den franska monarkiska traditionen. Men Napoléon krönte sig själv när han stod inför församlingen istället för att krönas av påven, för att göra ett uttalande om sitt oberoende från kyrkan.
Jacques-Louis David deltog i kröningsceremonin den 2 december 1804 i Notre-Dame-katedralen i Paris. Från 1805 till 1808 skapade konstnären denna oklanderligt detaljerade och verklighetstrogna målning av evenemanget komplett med 146 personer närvarande.
Kejsar Napoléons kröningI spänner över en överdimensionerad duk på sex meter gånger 10 meter; dess storslagna proportioner ger tittarna intrycket av att faktiskt vara närvarande vid kröningsceremonin. När han tittade på målningen sägs Napoléon ha gjort ett uttalande med hänvisning till dess storhet och realism: "Man kan gå igenom den här målningen!"
David avbildar ceremonin exakt medan att följa Napoléons begäran att förmedla ett symboliskt och politiskt budskap och förhärliga evenemanget för att ge det en unik plats i historien.
Les Salles Rouges (röda rum) display Kröning av kejsar NapoléonI och andra prestigefyllda historiska målningar, såsom Madame Récamier av Jacques-Louis David, Le Radeau de la Méduse (Medusas flotte) av Théodore Géricault, Mademoiselle Rivière av Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Liberté Guidant le Peuple (Liberty Guiding the People), och La Mort de Sardanapale (Sardanapalus död) av Eugène Delacroix.
6. La Liberté Guidant le Peuple (Denon Wing, rum 700)
Denna suggestiva målning illustrerar en av de viktigaste händelserna i fransk historia, det parisiska upproret i juli 1830, då Republikanerna i Frankrike ledde en revolt mot regeringen i den andra konstitutionen.
Delacroix avsåg La Liberté Guidant le Peuple (Liberty Guiding the People) att lyfta fram värderingarna från revolutionen 1789 och idealet om folksuveränitet. Skapandet av detta stycke var en patriotisk handling, eftersom Delacroix passionerat trodde på den republikanska saken.
Den allegoriska figuren Liberty avbildas som en stark och inspirerande barbröstad kvinna (nakenhet är vanligt förekommande i franska historiska målningar ), vilket tyder på härkomst till en klassisk grekisk gudinna. Ett bevis på hennes beslutsamhet och kämparanda håller hon en fransk flagga i ena handen och en infanteripistol i den andra.
Frihetsgestalten går segrande fram ur en mörk, rökig bakgrund och ser ut att vara badad i ljus, symbolisk för hennes moraliska belysning. Delacroix ger en djupt känslomässig, romantisk tolkning till målningen och samtidigt en realistisk kvalitet.
7. Psyché Ranimée par le Baiser de l'Amour av Antonio Canova (Denon Wing, rum 403)
Av alla skulpturer i det solljusfyllda Galerie Michel-Ange (Rum 403), den här är den mest charmiga återgivna. Denna skulptur, Psyche Revived by the Kiss of Love (även kallad L'Amour et Psyché på franska) var inspirerad av den mytologiska berättelsen om Amor och Psyche från Ovidius Metamorfoser.
I den här berättelsen ser Amor Psyche som har fallit i sömn efter att ha andats in en förbjuden dryck. Cupid närmar sig försiktigt Psyche, på väg att kyssa henne. Sedan vaknar Psyche och omfamnar ömt Amor. Detta är det ömma ögonblicket fångat i detta förtrollande mästerverk.
Antonio Canova skapade ett verk som är fullt av känslor, typiskt för romantisk nyklassisk skulptur. Samtidigt är skulpturen så precis att figurerna verkar verklighetstrogna.
Lägg märke till den fina skulpteringen av Amors vingar, kogern full av pilar och ornamentiken på amforan. Beundra hur Amor håller i Psyches hals och kurvan på hennes höft när hon vänder sig för att omfamna honom, allt visat med en perfekt känsla för proportioner och rörelse.
Jacques-Louis David deltog i kröningsceremonin den 2 december 1804 i Notre-Dame-katedralen i Paris. Från 1805 till 1808 skapade konstnären denna oklanderligt detaljerade och verklighetstrogna målning av evenemanget komplett med 146 personer närvarande.
Kejsar Napoléons kröningI spänner över en överdimensionerad duk på sex meter gånger 10 meter; dess storslagna proportioner ger tittarna intrycket av att faktiskt vara närvarande vid kröningsceremonin. När han tittade på målningen sägs Napoléon ha gjort ett uttalande med hänvisning till dess storhet och realism: "Man kan gå igenom den här målningen!"
David avbildar ceremonin exakt medan att följa Napoléons begäran att förmedla ett symboliskt och politiskt budskap och förhärliga evenemanget för att ge det en unik plats i historien.
Les Salles Rouges (röda rum) display Kröning av kejsar NapoléonI och andra prestigefyllda historiska målningar, såsom Madame Récamier av Jacques-Louis David, Le Radeau de la Méduse (Medusas flotte) av Théodore Géricault, Mademoiselle Rivière av Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Liberté Guidant le Peuple (Liberty Guiding the People), och La Mort de Sardanapale (Sardanapalus död) av Eugène Delacroix.
6. La Liberté Guidant le Peuple (Denon Wing, rum 700)
Denna suggestiva målning illustrerar en av de viktigaste händelserna i fransk historia, det parisiska upproret i juli 1830, då Republikanerna i Frankrike ledde en revolt mot regeringen i den andra konstitutionen.
Delacroix avsåg La Liberté Guidant le Peuple (Liberty Guiding the People) att lyfta fram värderingarna från revolutionen 1789 och idealet om folksuveränitet. Skapandet av detta stycke var en patriotisk handling, eftersom Delacroix passionerat trodde på den republikanska saken.
Den allegoriska figuren Liberty avbildas som en stark och inspirerande barbröstad kvinna (nakenhet är vanligt förekommande i franska historiska målningar ), vilket tyder på härkomst till en klassisk grekisk gudinna. Ett bevis på hennes beslutsamhet och kämparanda håller hon en fransk flagga i ena handen och en infanteripistol i den andra.
Frihetsgestalten går segrande fram ur en mörk, rökig bakgrund och ser ut att vara badad i ljus, symbolisk för hennes moraliska belysning. Delacroix ger en djupt känslomässig, romantisk tolkning till målningen och samtidigt en realistisk kvalitet.
7. Psyché Ranimée par le Baiser de l'Amour av Antonio Canova (Denon Wing, rum 403)
Av alla skulpturer i det solljusfyllda Galerie Michel-Ange (Rum 403), den här är den mest charmiga återgivna. Denna skulptur, Psyche Revived by the Kiss of Love (även kallad L'Amour et Psyché på franska) var inspirerad av den mytologiska berättelsen om Amor och Psyche från Ovidius Metamorfoser.
I den här berättelsen ser Amor Psyche som har fallit i sömn efter att ha andats in en förbjuden dryck. Cupid närmar sig försiktigt Psyche, på väg att kyssa henne. Sedan vaknar Psyche och omfamnar ömt Amor. Detta är det ömma ögonblicket fångat i detta förtrollande mästerverk.
Antonio Canova skapade ett verk som är fullt av känslor, typiskt för romantisk nyklassisk skulptur. Samtidigt är skulpturen så precis att figurerna verkar verklighetstrogna.
Lägg märke till den fina skulpteringen av Amors vingar, kogern full av pilar och ornamentiken på amforan. Beundra hur Amor håller i Psyches hals och kurvan på hennes höft när hon vänder sig om för att omfamna honom, allt visat med en perfekt känsla för proportioner och rörelse.
Mycket mejslade egenskaper och anatomiska detaljer som Psyches navel och graciösa tår ger en känsla av äkthet, vilket skapar ett intryck av att figurerna är gjorda av kött snarare än marmor.
8. Louis XIV av Hyacinthe Rigaud (Sully Wing, rum 916)
Denna emblematiska målning av "Solkungen" skapades 1701 av den franska kungliga porträttkonstnären Hyacinthe Rigaud. Målningen var ursprungligen avsedd att vara en gåva till Filip V av Spanien, men det franska hovet gillade den så mycket att målningen aldrig skickades till den spanske kungen.
Porträttet återges i utsökt detalj och föreställer Louis XIV som den ultimata bilden av absolut makt. Den överdådiga bakgrunden och kungens imponerande kröningsdräkt symboliserar hans storhet. Ludvig XIV var 63 år när detta porträtt målades.
Lägg märke till rikedomen i kungens dräkt, som är broderad med fleurs-de-lys (liljablommor), den kungliga symbolen. I bakgrunden vilar en krona bredvid kungen på en pall. Denna målning designades för att påminna betraktaren om Ludvig XIV:s auktoritet.
9. La Dentellière av Jan Vermeer (Richelieu Wing, rum 837)
Renoir ansåg Jan Vermeers målning av Spetsmakaren vara en av de vackraste målningarna i värld. La Dentellière skapades av Vermeer runt 1669 eller 1670.
Motivet spets användes ofta i holländska 1600-talsmålningar för att symbolisera traditionella kvinnliga dygder. Längst fram i målningen finns en liten bok som med största sannolikhet är en bibel, vilket ger verket ytterligare ett lager av moraliska och religiösa förslag.
Vermeer älskade att måla scener från vardagen och var skicklig på att skildra bekanta. föremål på ett tilltalande sätt. Den unga kvinnan (mest troligt Vermeers fru) visas intensivt fokuserad på hennes mödosamma arbete med spetstillverkning.
Tråden mellan kvinnans fingrar och stiften och spolen utgör verkets centrala brännpunkt. Objekten blir mer suddiga i bakgrunden och efterliknar det mänskliga ögats naturliga optiska fält.
Vincent van Gogh berömde denna målning för dess harmoniska blandning av färger, som syns i den livfulla sykudden och flerfärgade garner.
10. Chevaux de Marly (Richelieu Wing, Cour Marly)
Chevaux de Marly (Marlyhästar) beställdes av kung Ludvig XIV för hästdammen Château de Marly. Den här monumentala Carrara-marmorskulpturen skapades mellan 1739 och 1745 och är en större än livet bild av två hästar fasthållna av hästskötare.
Skulptören, Guillame Coustou, var troligen inspirerad av de antika romerska statyerna som hittades framför av Quirinalpalatset i Rom, som visar halvgudarna Castor och Pollux som försöker tämja sina hästar. Med anspelning på denna klassiska referens symboliserar Marly Horses kampen mellan människan och naturen (representerad av en otämjd häst).
11. Le Couronnement de la Vierge (Denon Wing, rum 708)
Visad i Louvrens vackra Salon Carré (rum 708), är Jungfruns kröning ett av Louvrens mästerverk av medeltida måleri. Guido di Pietro, känd som Fra Angelico, skapade detta verk från 1430 till 1432 och det användes ursprungligen som en altartavla för klostret San Domenico i Fiesole utanför Florens.
Temaet för Jungfruns kröning. var mycket vanligt representerad i konsten under 1200-talet, och detta exempel visar exceptionell delikatess och konstnärlig briljans.
Den överdådiga målningen illustrerar Jungfru Marias himmelsfärd när hon välkomnas till himlen och kröns av Kristus, som visas sittande högt över mängden åskådare på en tron som nås via marmortrappor.
Mycket mejslade egenskaper och anatomiska detaljer som Psyches navel och graciösa tår ger en känsla av äkthet, vilket skapar ett intryck av att figurerna är gjorda av kött snarare än marmor.
8. Louis XIV av Hyacinthe Rigaud (Sully Wing, rum 916)
Denna emblematiska målning av "Solkungen" skapades 1701 av den franska kungliga porträttkonstnären Hyacinthe Rigaud. Målningen var ursprungligen avsedd att vara en gåva till Filip V av Spanien, men det franska hovet gillade den så mycket att målningen aldrig skickades till den spanske kungen.
Porträttet återges i utsökt detalj och föreställer Louis XIV som den ultimata bilden av absolut makt. Den överdådiga bakgrunden och kungens imponerande kröningsdräkt symboliserar hans storhet. Ludvig XIV var 63 år när detta porträtt målades.
Lägg märke till rikedomen i kungens dräkt, som är broderad med fleurs-de-lys (liljablommor), den kungliga symbolen. I bakgrunden vilar en krona bredvid kungen på en pall. Denna målning designades för att påminna betraktaren om Ludvig XIV:s auktoritet.
9. La Dentellière av Jan Vermeer (Richelieu Wing, rum 837)
Renoir ansåg Jan Vermeers målning av Spetsmakaren vara en av de vackraste målningarna i värld. La Dentellière skapades av Vermeer runt 1669 eller 1670.
Motivet spets användes ofta i holländska 1600-talsmålningar för att symbolisera traditionella kvinnliga dygder. Längst fram i målningen finns en liten bok som med största sannolikhet är en bibel, vilket ger verket ytterligare ett lager av moraliska och religiösa förslag.
Vermeer älskade att måla scener från vardagen och var skicklig på att skildra bekanta. föremål på ett tilltalande sätt. Den unga kvinnan (mest troligt Vermeers fru) visas intensivt fokuserad på hennes mödosamma arbete med spetstillverkning.
Tråden mellan kvinnans fingrar och stiften och spolen utgör verkets centrala brännpunkt. Objekten blir mer suddiga i bakgrunden och efterliknar det mänskliga ögats naturliga optiska fält.
Vincent van Gogh berömde denna målning för dess harmoniska blandning av färger, som syns i den livfulla sykudden och flerfärgade garner.
10. Chevaux de Marly (Richelieu Wing, Cour Marly)
Chevaux de Marly (Marlyhästar) beställdes av kung Ludvig XIV för hästdammen Château de Marly. Den här monumentala Carrara-marmorskulpturen skapades mellan 1739 och 1745 och är en större än livet bild av två hästar fasthållna av hästskötare.
Skulptören, Guillame Coustou, var troligen inspirerad av de antika romerska statyerna som hittades framför av Quirinalpalatset i Rom, som visar halvgudarna Castor och Pollux som försöker tämja sina hästar. Med anspelning på denna klassiska referens symboliserar Marly Horses kampen mellan människan och naturen (representerad av en otämjd häst).
11. Le Couronnement de la Vierge (Denon Wing, rum 708)
Visad i Louvrens vackra Salon Carré (rum 708), är Jungfruns kröning ett av Louvrens mästerverk av medeltida måleri. Guido di Pietro, känd som Fra Angelico, skapade detta verk från 1430 till 1432 och det användes ursprungligen som en altartavla för klostret San Domenico i Fiesole utanför Florens.
Temaet för Jungfruns kröning. var mycket vanligt representerad i konsten under 1200-talet, och detta exempel visar exceptionell delikatess och konstnärlig briljans.
Den överdådiga målningen illustrerar Jungfru Marias himmelsfärd när hon välkomnas till himlen och kröns av Kristus, som visas sittande högt över mängden åskådare på en tron som nås via marmortrappor.
Scenen återges med otroliga detaljer och i lysande nyanser. Fra Angelico målade till exempel de nio stegen av marmor i olika färger. Ett överflöd av förgyllningar finns genomgående, i Kristi tron, samt änglarnas glorier, vilket tycks antyda ett kungligt hov i himlen.
12. Le Tricheur à l'As de Carreau av Georges de La Tour (Sully Wing, rum 912)
Skapad runt 1635, The Cheat med diamantens essfinner en hedersplats bland Frankrikes 1600-tals Peintres de la Réalité (verklighetens målare). Georges de La Tours signaturstil av realism ger liv till scenen där fyra personer samlats runt ett bord medan de spelar kort.
Målningens intrikata detaljer och subtila uttryck för känslor ger äkthet, vilket gör att tittarna kan känna sig som åskådare av ett riktigt kortspel. Som åskådare har vi en känsla av nyfikenhet och förväntan om vad som kommer att hända härnäst.
Vi ser på när motivet för målningen, en flamboyant klädd fjäderklädd ung man, håller på att bli lurad. I en ovanlig komposition avbildas motivet längst till höger (snarare än mitten) av målningen, i ett utrymme skilt från de andra.
Under tiden verkar den andra gruppen på tre personer dela en hemlighet, vilket framgår av deras ögonrörelser åt sidan. Kvinnan med den lågt skurna urringningen drar tittarens uppmärksamhet med sin smygande blick. Hon kommunicerar tyst med spelaren (fusket) på den vänstra sidan av målningen som diskret drar ett kort med ruter ess under bältet, vilket kommer att bli det "vinnande" kortet.
En spännande aspekt av denna målning: Fusken verkar stirra ut mot betraktaren, som om han vet att han blir observerad. Som tittare fångar vi fusket och hans kohorter i deras handling av orätt. George de La Tour använder den här scenen för att berätta ett moraliskt drama om lustens, sprit och hasardspels synder.
13. Porträtt av konstnären som håller en tistel av Albrecht Dürer (Richelieu Wing, rum 101)
En slående målning, Portrait de l'Artiste Tenant un Chardonvar ett av de första fristående självporträtten i europeisk måleri. Albrecht Dürer skapade detta porträtt av sig själv 1493 när han bara var tjugotvå år gammal. Konstnären håller i en tistel, som antingen representerar trohet mot sin fästmö eller en anspelning på Kristi passion.
Kompositionen av en tre fjärdedels byst var typisk för porträttmåleri på 1500-talet. Tittarna kan upptäcka en del tafatthet i porträttet, eftersom konstnären arbetade utifrån sin reflektion i spegeln.
14. Captif-skulpturer av Michelangelo (Denon Wing, rum 403)
Dessa uttrycksfulla statyer är mästerverk av Michelangelo, som visar hans geni av teknisk förmåga och känslomässigt djup. Skulpturparet, L'Esclave Mourant (Den döende slaven) och L'Esclave Rebelle (The Rebellious Slave), står i <
